Die jährliche Konferenz „AI Music Creativity“ (AIMC) bringt eine interdisziplinäre Gemeinschaft von Forschern und Praktikern zusammen, die an der Schnittstelle zwischen KI und Musik tätig sind. Die Konferenz schlägt eine Brücke zwischen Datenwissenschaft und Musikforschung und richtet den Blick auf Themen wie Aufführungssysteme, computergestützte Kreativität, maschinelles Hören, Robotik und Sonifikation.

Die Ausgabe 2026 der Konferenz wird von der Audio Communication Group der Technischen Universität Berlin, dem Studiengang „Generative Kunst/Computational Arts“ der Universität der Künste Berlin und dem Staatlichen Institut für Musikforschung ausgerichtet. Die Konferenz findet im Musikinstrumenten-Museum statt.

Thema 2026: Die generative Wende. Vermittelte Musikalität im Zeitalter der Hyperreproduktion

Die Musik ist in einen Zustand der Hyperreproduktion eingetreten. KI-Systeme produzieren mittlerweile täglich Millionen von Titeln und spielen eine immer größere Rolle dabei, wie Musik entsteht und erlebt wird. Dies markiert eine grundlegende Neugestaltung der musikalischen Praxis: Musik wird nicht mehr nur komponiert oder improvisiert, sondern zunehmend über Schnittstellen „erzeugt“, die das Verhältnis zwischen kreativen Absichten, materieller Produktion und klanglichem Ergebnis neu gestalten. Prompts, Empfehlungspipelines und Datensätze beeinflussen die Rezeption sowohl von Musikern als auch von Zuhörern.

Die AIMC 2026 betrachtet diesen Wandel sowohl im Hinblick auf die technische Infrastruktur als auch auf den kulturellen Wandel. Wenn Musik mithilfe KI-vermittelter Werkzeuge wie Prompts, Steuerungsmechanismen und datensatzgesteuerter Neukombination geschaffen wird – welche neuen Formen des Musizierens, des Hörens und der kreativen Handlungsfähigkeit entstehen dann? Wie lässt sich Kreativität als eine Verteilung zwischen menschlicher Intuition und maschineller Leistungsfähigkeit verstehen, die durch Schnittstellen umgesetzt wird, welche ästhetische Möglichkeiten sowohl ermöglichen als auch einschränken? Produzieren diese Systeme ihre eigenen ästhetischen Signaturen – unverwechselbare klangliche Merkmale oder formale Tendenzen, die sie als generativ erzeugt kennzeichnen? Können diese Systeme einzigartige ästhetische Formen hervorbringen, oder tendieren sie lediglich zur Homogenisierung und stilistischen Verflachung? Inwieweit sind diese Prozesse wirklich neu, und inwiefern stellen sie eine Fortsetzung älterer Prozesse dar?

KI-Systeme werden zunehmend in musikalische Prozesse eingebettet und fungieren als Vermittlungsschnittstellen, über die kreative Praxis ausgehandelt und umgesetzt wird – von der Komposition und Aufführung bis hin zur Stimmensynthese, zum Abmischen und zur Partiturerstellung. Dieser Wandel erfordert eine kritische Auseinandersetzung: Welche Formen der Aufmerksamkeit, Bewertung und Pädagogik können sinnvoll mit hyperreproduktiven Bedingungen umgehen? Wie gehen wir mit den tiefgreifenden strukturellen Veränderungen um, die derzeit stattfinden, wie etwa den Machtasymmetrien zwischen Plattforminfrastrukturen und kreativen Gemeinschaften, der Politik der Datensatzgewinnung und Einwilligung, der Neugestaltung musikalischer Arbeit und Wertschöpfung sowie der Art und Weise, wie diese Systeme das musikalische Schaffen und die Bedingungen, Praktiken und Möglichkeiten des Musizierens selbst aktiv prägen? Und wer profitiert von KI-generierter Musik?

Das AIMC lädt zur Einreichung von Beiträgen zum technischen, kulturellen, sozialen, historischen und rechtlichen Diskurs rund um diese Themen sowie zu künstlerischen Beiträgen ein, in denen KI-Systeme einen kreativen Einfluss ausüben. Diese können sich mit folgenden Bereichen befassen:

• Aufführungspraxis: Musiktechnologien; Gesten, Sensoren, akustische Umgebungen und Eingabeaufforderungen; verkörperte Praktiken; Virtuosität.

• Beziehungen zwischen Instrument und Mensch: Kontinuitäten zu historischen Techniken; Rekonstruktion und Repliken; Spielbarkeit und Erhaltung; Beziehung zwischen Musiker*in, Schnittstelle und Instrument; Robotik.

• Interpretation: Technologien von Pianorollen bis hin zu KI-Algorithmen; Urheberschaft, Beziehungen zwischen menschlicher Kreativität, Improvisation und computergestützten Prozessen; Handlungsfähigkeit, Intention und künstlerischer Ausdruck.

• Vermittelte Musikalität und kreative Praxis: Komponieren, Aufführen und Produzieren über Schnittstellen; promptbasierte Komposition; Steuerungsmechanismen; ko-kreative und agentische Arbeitsabläufe

• Verteilte Handlungsfähigkeit und ästhetische Bewertung: Relationale Kreativität über Mensch- KI-Systeme hinweg; Fragen der Singularität und des Stils angesichts generativer Fülle; kritische
Rahmenkonzepte zur Bewertung KI-vermittelter Musik

• Kuration und Hörökologien: Entdeckung, Überlastung, Erkennung, Zukunftsperspektiven für Metadaten

• Plattforminfrastrukturen und neu entstehende Musikökonomien: Infrastrukturelle Kontrolle und Asymmetrien; neu entstehende Modelle der Vergütung und der Rechte; die Neugestaltung von musikalischer Arbeit und Wertschöpfungsketten

• Urheberschaft, Herkunft und kulturelle Identität: Spektrale Urheberschaft und Zuschreibung; Politik der Datensätze und kulturelle Extraktion; Fragen des musikalischen Gedächtnisses, der Tradition und des Eigentums

• Ethik, Governance und Einwilligung: Herkunft und Nutzungsrechte von Datensätzen; Rechenschaftspflicht in KI-Musiksystemen; Rahmenbedingungen für ethische Entwicklung und
Einsatz

• Pädagogik und kritische Musikalität: Musikunterricht und -lernen in postgenerativen Kontexten; neue Kompetenzen und Fähigkeiten; Förderung einer kritischen Auseinandersetzung mit KI-vermittelter Praxis